Những Tác Phẩm Nghệ Thuật Trừu Tượng Nổi Tiếng Nhất Trong Vòng 100 Năm Qua (Phần 1) – The S Culture

Từ khi ra đời vào cuối thế kỷ 19 cho đến ngày nay, nghệ thuật trừu tượng đã trở nên phổ biến và ngày càng phát triển qua rất nhiều tác phẩm. Thể loại linh hoạt này đã phát triển rất mạnh mẽ thành hàng trăm trào lưu nghệ thuật khác nhau như Chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng, Trừu tượng hóa, Màu sắc, v.v. Miền, sự trừu tượng sau bức tranh, thậm chí là chủ nghĩa tối giản.

Sức mạnh của nghệ thuật trừu tượng cũng tràn ngập nghệ thuật đương đại, và nó vẫn thống trị thị trường ngày nay trong các phòng trưng bày thương mại và nhà đấu giá. Sự phát triển nhanh chóng của các nhóm sáng tạo trừu tượng, các nhóm được thành lập để chống lại ảnh hưởng của chủ nghĩa Siêu thực hay các họa sĩ trừu tượng nổi tiếng ngày nay vẫn thường xuyên cho ra mắt các tác phẩm mới. Chứng minh rằng trường nghệ thuật này sẽ tồn tại trong một thời gian dài.

Trong bài viết này, s Culture sẽ giới thiệu với độc giả 15 tác phẩm nghệ thuật đã và đang có ảnh hưởng to lớn đến nghệ thuật trừu tượng:

1. Opus x, 1939 – Wassily Kandinsky

Là người đi tiên phong trong phong trào hội họa trừu tượng, Wassily Kandinsky không chỉ là một họa sĩ nổi tiếng người Nga mà còn là một nhà lý luận nghệ thuật. Dấu ấn của ông đối với thế giới nghệ thuật, với phong cách trừu tượng, được cho là chưa từng có, thường là với đoàn nghệ thuật Phalanx và người đồng sáng lập các nhóm nghệ sĩ mới. nghệ thuật) hoặc tổ chức triển lãm cho những người cùng thời với ông trong nhiều năm hoạt động nghệ thuật. Trong sự nghiệp của mình, ông đã tạo ra hơn 600 tác phẩm, thường là tranh từ năm 1913, sau đó đã lập kỷ lục đấu giá cho bức tranh của ông vào năm 2017 – 41,6 triệu USD (hơn 96 tỷ Rp).

Trong số tất cả những thành tựu trên, tác phẩm nổi tiếng nhất của ông là “Sáng tác x”. Trong “The Work”, tác phẩm cuối cùng của loạt phim này, anh ấy thể hiện tài năng của mình thông qua sự tinh tế của đường nét và hình dạng. Vào thời điểm đó, màu đen không thường xuyên được sử dụng trong công việc của ông. Như vậy, các nhà phê bình cho rằng, tác phẩm vừa là nguồn cảm hứng vũ trụ vừa là hiện thân của bóng tối báo trước ngày tàn của cuộc đời ông.

2. red, blue and gold work ii, 1930 – piet mondrian

“Thành phần ii màu đỏ, xanh lam và vàng” đánh dấu sự thay đổi rất tinh tế trong phong cách hội họa của piet mondrian. Mondrian hướng đến việc thể hiện nghệ thuật trừu tượng ở mức độ tuyệt đối, tin rằng cái tuyệt đối có thể được thể hiện thuần túy thông qua “thuyết tân sinh” hoặc trường phái nghệ thuật tạo hình. Anh ấy tìm kiếm sự cân bằng thông qua công việc của mình và đã viết nhiều về hòa âm phối khí. Anh ấy mong muốn đạt được sự “tĩnh lặng” trong công việc của mình bằng cách kiểm tra kỹ lưỡng sự sắp xếp của màu sắc, kích thước của hình dạng và chất lượng của các bề mặt.

Có thể nhiều người sẽ thấy tác phẩm này ít nhất một lần trong đời. Bức tranh trở thành một trong những biểu tượng nghệ thuật của nửa sau thế kỷ 20 và đã để lại dấu ấn rất rõ nét trong nền văn hóa đại chúng ngày nay. Có thể nói Mondrian đã thể hiện một sự hoàn hảo cân bằng trong tác phẩm của mình. Các đường kẻ lớn tương phản với các ô vuông lớn màu đỏ, các hình chữ nhật nhỏ màu vàng xuất hiện ở các góc dưới cùng, các màu đỏ và xanh bổ sung cho nhau, tất cả các chi tiết này đều mang một ý nghĩa sâu sắc hơn chúng cần, một bức tranh nổi bật.

3. peinture (etoile bleue), 1927 – Joan Miro

miro là một nghệ sĩ siêu thực nổi tiếng với tác phẩm ‘peinture (etoile bleue)’ có thể được coi là tác phẩm chuyển tiếp giữa nghệ thuật tượng hình và nghệ thuật trừu tượng. Năm 2012, bức tranh Peinture (etoile bleue) đứng đầu danh sách với giá 23,5 triệu bảng tại cuộc đấu giá Nghệ thuật Hiện đại và Ấn tượng của Sotheby. Đó là mức giá kỷ lục cho một bức tranh Miro và gấp ba lần những gì nó đã trả cách đây 5 năm.

Bức tranh này là một trong những tác phẩm quan trọng nhất trong sự nghiệp của Miro. Điều đáng chú ý là màu xanh đậm của bức tranh này sau đó đã xuất hiện trong các tác phẩm khác của ông, cũng là nguồn cảm hứng cho các nghệ sĩ như Mark Rothko và Yves Klein.

4. 1934 (Cứu trợ), 1934 – Ben Nicholson om

Lấy cảm hứng từ cách các bức tranh thể hiện tỷ lệ, Ben Nicholson đã chuyển từ tác phẩm tượng hình và trừu tượng lấy cảm hứng từ Chủ nghĩa lập thể và Hậu ấn tượng sang thử nghiệm. Và tạo ra những tác phẩm trừu tượng của mình. Những tác phẩm điêu khắc trừu tượng màu trắng này thể hiện rõ nét kỹ thuật điêu luyện của người nghệ sĩ tài năng này.

Ý nghĩa của “1934 (phù điêu)” nằm ở ảnh hưởng mà nó mang lại, đặc biệt là từ nghệ sĩ piet mondrian và nhà điêu khắc barbara hepworth (người sau này trở thành người yêu của ông). Sự chuyển đổi nhanh chóng của anh ấy từ những bức tranh trừu tượng ban đầu sang những bức phù điêu này có thể bắt nguồn từ cuộc gặp gỡ của anh ấy với Mondrian vào năm trước khi tạo ra chúng, cũng như được truyền cảm hứng rất nhiều từ các nghệ sĩ trừu tượng khác như Joan Miro và Alexander Calder.

5. Hội tụ, 1952 – Jackson Pollock

Jackson Pollock đã hoàn thành 363 bức tranh trong cuộc đời 44 năm ngắn ngủi của mình. Được biết đến với khả năng tô màu nhỏ, nhiều bức tranh của anh cũng đã để lại dấu ấn rất riêng trong giới nghệ thuật.

Trong số các tác phẩm này, “Fusion” đứng đầu danh sách. Bức tranh này đánh dấu một bước phát triển sáng tạo quan trọng trong lịch sử hội họa với tư cách là biểu hiện của quyền tự do ngôn luận thông qua nghệ thuật. Qua bức ảnh này, Pollock bày tỏ quan điểm của mình về mối đe dọa do chủ nghĩa cộng sản và Chiến tranh Lạnh với Nga gây ra. Tác phẩm được mô tả là “đại diện một cách hỗn loạn và sâu sắc cho tất cả những gì người dân Mỹ đại diện cho”.

Năm 1964, một công ty xếp hình đã phát hành một “hợp nhất” dưới dạng một trò chơi xếp hình gồm 340 mảnh có tên là “Câu đố khó nhất thế giới”. Hàng nghìn người Mỹ đã đổ xô đi mua sản phẩm này, nhấn mạnh tác động của cá minh thái đối với đất nước.

6. Núi và biển, 1952 – Helen Frankenthaler

Tác phẩm “Núi và biển” của helen Frankenthaler là sự giao thoa nổi bật giữa phong cách Chủ nghĩa Biểu hiện Trừu tượng và Trường Màu. Frankenthaler được ghi nhận với kỹ thuật “bôi nhọ”, tác phẩm đầu tiên sử dụng nó. Sử dụng kỹ thuật này, Frankenthaler đã pha loãng sơn với nhựa thông hoặc dầu hỏa, và chất lỏng thu được được thấm qua tấm bạt mà không bị mốc. Sự liên tục này tạo ấn tượng rằng công việc của cô ấy luôn chuyển động.

Frankenthaler đã xem những bức tranh đen trắng của Jackson Pollock trong một phòng trưng bày ở New York và do đó, ông đã kết hợp nhiều tự do hơn vào tác phẩm của mình. Với phong cách làm mờ ảo diệu, các tác phẩm trừu tượng của cô có thể tạo ra nhiều cảnh cho mỗi người xem. Tác phẩm nhẹ nhàng và rực rỡ của cô tương phản với phong cách impasto nhiều lớp phổ biến vào thời điểm đó và ảnh hưởng đến nhiều nghệ sĩ xung quanh cô.

Bạn đọc có thể đọc Phần 2 của bài viết này tại đây.

Nguồn: Art